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Nov 01, 2023

Emma Seligman über „Bottoms“, Ayo Edebiri, Rachel Sennott, mehr

Seligman folgte ihrem brillanten Indie-Hit „Shiva Baby“ unwahrscheinlicherweise mit einem kühnen, explosiven (im wahrsten Sinne des Wortes) Studio-Tentpole. „Man muss es nur vortäuschen, bis man es schafft“, sagt der Regisseur. "Sie gerade

Seligman folgte ihrem brillanten Indie-Hit „Shiva Baby“ unwahrscheinlicherweise mit einem kühnen, explosiven (im wahrsten Sinne des Wortes) Studio-Tentpole. „Man muss es nur vortäuschen, bis man es schafft“, sagt der Regisseur. „Man kann es einfach nicht zeigen.“‘

Erst als Emma Seligman über ein Budget für Autobomben und Maskottchen-Penisse verfügte, kam der Ernst von „Bottoms“, ihrer zweiten Sexkomödie, endlich zum Tragen. Sechs Jahre zuvor hatten die Gags nur als Ideen auf dem Whiteboard einer NYU gelebt Keller. Dort entwarfen Seligman und ihre Co-Autorin Rachel Sennott ihre Träume von der Filmhochschule: einen Multimillionen-Dollar-Blockbuster unter der Regie von Seligman mit Sennott und ihrer Mitschülerin an der NYU, Ayo Edebiri. Was ist der Unterschied zwischen dem Trio, das sich die meisten anderen Filmschulkinder ähnliche Utopien vorstellen? Sie haben es möglich gemacht.

Wenn ich mit Seligman über Zoom spreche, Tage vor der Premiere von Bottoms am 25. August, wird klar, dass der mittlerweile 28-jährige Regisseur – zusammen mit Edebiri und Sennott – ihr Handwerk behandelt hat, als wäre es Arbeit, lange bevor sie dafür bezahlt wurden . „Ich kannte Rachel, bevor sie ihr ‚It's LA‘-Video gepostet hat, wissen Sie?“ Sagt Seligman und verweist auf Sennotts bahnbrechenden Moment des Internet-Ruhms. „Oder als Ayo Big Mouth bekam. Das waren alles so wichtige Momente, besonders zu Beginn ihrer Karriere.“ Mit der Ermutigung von Sennott adaptierte Seligman seinen Kurzfilm für seine Abschlussarbeit, Shiva Baby, in einen Spielfilm – und erntete damit Seligman und Sennott für ihre Regie- bzw. Schauspielarbeit große Anerkennung. Der Auftritt brachte Sennott schnell in Rollen in HBOs „The Idol“ und A24s „Bodies, Bodies, Bodies“. Nachdem Edebiri sich unter anderem immer mehr als Autor und Schauspieler für „Big Mouth“, „Abbott Elementary“ und „Dickinson“ anhäufte, landete er eine Emmy-nominierte Breakout-Rolle als Sydney in „The Bear“ von FX.

Als Bottoms endlich Wirklichkeit wurde und mit MGM ein Budget von 11,3 Millionen US-Dollar erhielt, Brownstone und Orion Pictures bedeutete das Projekt für das Trio weniger einen surrealen Durchbruch als vielmehr eine natürliche Weiterentwicklung. „Wenn man jemandem nahe steht, verlässt man den Moment nicht wirklich und denkt sich: ‚Wow, das ist doch zu oft verrückt‘“, erklärt Seligman. „Es ist, als hätte man ein Geschwisterchen oder jemanden, den man jeden Tag sieht. Sie verfolgen die Veränderungen nicht Tag für Tag.“

Der Elevator Pitch für Bottoms ist gar nicht so verrückt. Zumindest laut Seligman. „Es ist eine Teenager-Sexkomödie, aber es gibt queere Mädchen“, rezitieren sie beiläufig, „und die Art und Weise, wie sie versuchen, mit Mädchen in Kontakt zu kommen, besteht darin, einen Kampfclub zu gründen.“ Von einer von Charli XCX und Leo Birenberg komponierten Filmmusik bis hin zu epischen, blutigen Kampfsequenzen. „Bottoms“ fühlt sich an wie eine kitschige, absurde, schlüpfrige Belohnung für Seligmans jahrelange Arbeit. Nachfolgend erklärt der Regisseur, wie ihnen die beste – und blutigste – Komödie dieses Jahres gelungen ist.

ESQUIRE: Ich weiß, dass Sie Rachel und Ayo die Zügel in die Hand genommen haben, wenn es ums Improvisieren ging – sagen Sie mir, wie das aussah.

EMMA SELIGMAN: Ich habe all diese Ratschläge von anderen Regisseuren erhalten, die Improvisation verwenden, und sie sagten: „Stellen Sie sicher, dass Sie die Aufnahme zuerst so machen, wie es im Drehbuch steht – und dann haben Sie Spaß.“ Oder: „Wenn Sie Improvisation einsetzen, achten Sie genau darauf, wann und wie, und geben Sie dennoch die Richtung vor.“ Aber Ayo und Rachel sind einfach so gute Improvisatoren – und fühlten am Set auch ein gewisses Maß an Selbstvertrauen, weil wir uns alle so nahe stehen –, dass sie einfach mit dem Improvisieren anfingen und mein Plan scheiterte. Also musste ich, wenn überhaupt, nur mit dem Improvisieren zurechtkommen. Lassen Sie sie ihr Ding voll und ganz machen und versuchen Sie einfach, sich an die Szene zu erinnern. Was sie auch taten, aber es gab nicht so viel Struktur. Es ging im Wesentlichen nur darum, ihren Prozess zu steuern – im Gegensatz dazu, dass sie meinen Prozess steuern mussten.

Ihre Besetzung ist voll von Namen, die auf den ersten Blick überraschend sein könnten – darunter Marshawn Lynch und Kaia Gerber –, was Sie als Absicht bezeichnet haben.

Das ist so eine seltsame Welt voller Charaktere und wir könnten niemanden haben, der nur die Rolle spielt und ein wirklich guter Schauspieler ist. Wir brauchten jemanden, der seine eigene Atmosphäre einbrachte. Außerdem haben wir uns mit dem Camp-Casting beschäftigt – und zum Beispiel mit dem John-Waters-Casting. [Wir dachten] an „Cry Baby“ und daran, einen erwachsenen Filmstar mit einem Teenager-Frauenschwarm, einem Musiker, zu haben. Wir wollten ein Fragezeichen-Casting. Wir wollten auch einfach die besten Leute für die Rollen, und genau das ist passiert. Wir hätten keine Leute gecastet, die nicht die besten Probeaufnahmen gemacht und bewiesen hätten, dass sie die Richtigen sind.

Irgendwelche Geschichten von Marshawn Lynch vom Set?

Er war so nett. Er war immer so unterstützend. Er fragte immer: „Wie geht es dir? Wie fühlst du dich?“ Er war so süß. Er ist wie ein großer Teddybär. Ich weiß, dass viele Leute ihn nicht so sehen, aber ich würde es tun. Wann immer ich um die Ecke bog, war er da. Wir könnten den stressigsten Tag haben und er würde fragen: „Hey, was ist gut?“ Und ich würde sagen: „Es ist alles gut!“ [Lacht.] Weil man als Reaktion auf seine Energie einfach nur lächeln möchte.

Im März erzählten Sie Esquire, dass der Übergang von der Regie von Indie-Filmen zur Arbeit an einem Studioset mit einigen Wachstumsschwierigkeiten verbunden war – vom Umgang mit größeren Crews bis hin zum Hochstapler-Syndrom. Haben Sie diese Herausforderungen gemeistert?

Ich weiß nicht, ob ich eine davon überwunden habe, aber ich denke, man muss es einfach durchhalten. Ich weiß, das klingt wirklich einfach und nervig nach Macho, aber man hat keine Zeit, darüber zu weinen. Man muss einfach darüber hinwegkommen. Ich wusste, dass ich es in diesem Fall nicht schaffen würde. Man muss es nur vortäuschen, bis man es schafft, wie alles andere auch. Man kann es einfach nicht zeigen.

Zum Glück sagen die Leute jedes Mal, wenn ich mit jemandem rede und ihm erzähle, dass ich in Panik geraten bin oder unter dem Hochstaplersyndrom leide: „Oh, ich hatte keine Ahnung.“ Ich traf kürzlich unseren Kostümdesigner und schwelgte in Erinnerungen. Ich dachte, das sei eine klare Information darüber, dass ich so in Panik geriet. Sie meinte: „Das hättest du nie sagen können.“ Ich denke also, dass man es einfach verbergen und Leute finden muss, denen man sich anvertrauen kann. Ich habe mich oft Rachel und unserer DP Maria [Rusche] und unserer Produzentin Alison [Small] anvertraut und gesagt: „AHHH!“ Sie müssen Ihre Schlüsselpersonen haben, mit denen Sie das tun dürfen. Aber ansonsten muss man ein starkes Gesicht haben.

Ich habe zugesehenUnterteile schon ein paar Mal, und ich finde immer wieder neue Wegwerfwitze. Ich habe tatsächlich ein paar Beispiele als Teil einer größeren Frage aufgeschrieben – und mein Redakteur hat sofort eines markiert und gesagt: „Moment, das muss eine eigenständige Frage sein.“ Das Maskottchen –

Ja! [Klatscht.] Ich bin so froh, dass du es bemerkt hast. Einige Freunde von mir, die es schon ein paar Mal gesehen haben, haben das Maskottchen immer noch nicht bemerkt. Das Maskottchen war ein großer Gesprächsstoff – nicht im Hinblick darauf, ob wir es haben können oder nicht –, aber dieses Maskottchenkostüm war immer Teil des Drehbuchs. Rachel sagte vom ersten Tag an: „Das Maskottchen kommt heraus – es ist ein Hund mit einem riesigen Penis.“ Und wir sagten „Ha, ha“ und schrieben dann fröhlich weiter.

Als wir in der Vorbereitung waren? Oh. Mein. Gott. Wir führten stundenlange Gespräche mit unserem Produktionsdesigner Nate und unserer Kostümdesignerin Eunice. Sie führte lange Gespräche mit dem Hersteller. Es gab so lange, lustige Gespräche darüber, wie: „Und wie groß soll der Penis sein? Ist es ein Hundepenis oder ein menschlicher Penis? Ist er flauschig? Was ist mit den Augen? Sind sie glasig? Was bedeutet seine Brust?“ Wie sieht er aus? Was für Schuhe trägt er?“ Es hat so viel Spaß gemacht und ich dachte: „Ich kann nicht glauben, dass Rachel vor fünf Jahren in einem Café eine Millisekunde gebraucht hat, um diesen Witz zu schreiben. Jetzt verbringen wir hier Stunden damit, herauszufinden, wie das aussieht.“

Ich habe etwas über Ihren Brainstorming-Prozess mit Rachel gelesen, bei dem Sie Ideen herausgeworfen haben, die irgendwie passen wollten – wie eine Bombe. Gibt es irgendetwas, das es in den Final Cut geschafft hat und das Sie überrascht hat?

Ich bin wirklich froh, dass wir unsere Kampfsequenzen mit der Detailgenauigkeit und dem Blut ausführen konnten, die wir uns gewünscht hatten. Es gibt eine Version dieser Kampfsequenzen, die weniger choreografiert, weniger raffiniert und etwas schlampiger hätte sein können. Aber wir wollten, dass sie sich cool anfühlen – und ich bin froh, dass wir die Kraft und Unterstützung im Rücken hatten, sie gut umzusetzen. Aber es gab nie einen Punkt, an dem die Leute sagten: „Keine Bombe.“

Die Bombe, das Maskottchen – das waren alles Momente, die mich daran erinnerten, auf welchem ​​Niveau ich mich befand. Es erinnerte mich an das Budget des Films, bei dem ich dachte: „Oh, niemand sagt: „Das kannst du nicht haben.“ Jeder sagt: Das steht im Drehbuch und der Regisseur will es, also werden wir es erreichen.

Etwas, das mir aufgefallen istUnterteile ist sein Ton. Du tötest Fußballspieler und es fühlt sich nicht danach anDas eine große Sache. Aber der Film wirkt immer noch geerdet.

Ton und die Regeln der Welt zu entdecken und herauszufinden, ist das Schwierigste, was man erreichen kann – egal, welchen Film man dreht. Und sie entwickeln sich ständig weiter. Ich erinnere mich an Ayo – weil sie uns so nahe steht und so lange von dem Projekt wusste, es aber nicht mit uns geschrieben hat … Als sie sich stärker engagierte, wurde das zu einer entscheidenden Ebene des Prozesses. Weil sie herauszoomen und sagen konnte: „Okay, wir kommen damit durch, aber damit kommen wir nicht durch? Was versuchen wir hier zu tun?“ Sie ist eine so talentierte Autorin. Das war ein wirklich hilfreicher Teil des Prozesses, weil ich ihr vertraue, aber auch, weil sie die Hauptrolle im Film spielte. Sie war in der Lage, eine enge, aber dennoch objektive Perspektive auf das Drehbuch zu haben und sie zu unterstützen Einblick in die Regeln der Welt.

In Ihrer Filmografie haben Sie sich darauf konzentriert, Geschichten über queere Menschen zu erzählen, die äußerlich fehlerhaft sind – oder wie Josie und PJ es nanntenUnterteile, „uglitzernde, untalentierte Schwule.

Ich kenne keine queeren Menschen, die perfekt sind. Deshalb möchte ich nur Geschichten über echte Menschen erzählen. Selbst wenn es sich um ein lächerliches Genre oder eine lächerliche Welt handelt, ist es unfair, dass wir von unseren Charakteren auf der Leinwand erwarten müssen, dass sie einen Standard einhalten, den heterosexuelle Menschen nicht einhalten müssen oder seit Generationen nicht mehr einhalten mussten.

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